For its second intervention exhibition, the Heidi Horten Collection turns its focus to the Viennese photographer Ouriel Morgensztern, who engaged with the museum and its architecture in a highly personal way. His approach is deliberately subjective: instead of capturing the whole, Morgensztern concentrates on details that—through radical framing, extreme close-ups, and the interplay of light and shadow—gain an entirely new formal and aesthetic quality. He consistently manages to strike a balance: the architecture of the building is both present and absent in his photographs. The same holds true for the visitors and the art for which the museum was created. Though physically absent, they remain constantly evoked.

This duality of presence and absence runs through Morgensztern’s artistic practice. It is also central to one of his most recent projects, in which he retraces the Viennese film locations of the classic The Third Man. Its central figure, Harry Lime, believed to be dead, is absent for much of the film, yet still drives the narrative—just as the museum building itself is simultaneously present and absent in Morgensztern’s work.

There are cheerful lines, somber ones, serious, tragic, exuberant, weak, and strong lines. They are an independent language to express emotions, energy, rhythm, space, light, and movement.

—Alexander Mikhailovich Rodchenko

The exhibition Die Linie | The Line is dedicated to the line as a fundamental element of visual art. Like tones in music and characters in language, the line constitutes an essential principle of design in drawing and painting. Between subjective gestures and constructive abstraction, the line serves endless functions: it structures surfaces and defines forms, creates contours and boundaries, separates and connects. It documents and records space and time, depicts reality, creates illusion, and captures the imaginary.

Starting from the classical medium of drawing, the exhibition explores exemplary ways in which the line can be used to create artistic worlds and respond artistically to the world. A particular focus is placed on contemporary works that transcend traditional genre boundaries by extending the line into three-dimensional space. The exhibition also includes works that make the line tangible within the context of artistic engagement with social and political spaces.

Artists featured in the exhibition include:
Pierre Alechinsky, Karel Appel, John M Armleder, Kader Attia, Jean-Michel Basquiat, Angela Bulloch, Marie Cool/Fabio Balducci, Edgar Degas, Fred Eerdekens, Dan Flavin, Lucio Fontana, Lucian Freud, Antony Gormley, Keith Haring, David Hockney, Alexej Jawlensky, Donald Judd, Birgit Jürgenssen, Zilvinas Kempinas, Kiluanji Kia Henda, Gustav Klimt, Edgar Knoop, Brigitte Kowanz, Alfred Kubin, Roy Lichtenstein, Constantin Luser, Henri Matisse, Agnes Martin, Vera Molnár, Nick Oberthaler, Pablo Picasso, Giulia Piscitelli, Sigmar Polke, Dieter Roth, Fred Sandback, Egon Schiele, Chiharu Shiota, Henri de Toulouse-Lautrec, Cy Twombly, and Andy Warhol.

Mit einer raumgreifenden ortspezifischen Installation überführt Chiharu Shiota die Linie in eine dreidimensionale Form, die sich als dichtes Netz im Museumsbau präsentieren wird. Als Teil der Ausstellung „Die Linie“ setzt sich Shiotas „Raumzeichnung“ mit dem Ungreifbaren auseinander: 

Erinnerung und Trauer, aber auch mit der Verbindung zwischen den Menschen. Die Intervention wird ihren Ausgangspunkt in Form eines partizipativen Projekts mit den Besucher:innen des Museums finden.

Heidi Horten Collection präsentiert neue Weihnachtsinstallation: „Frohes Fest 2“ von Gelatin

Auch in diesem Jahr lädt die Heidi Horten Collection zeitgenössische Künstler ein, eine eigens für die Weihnachtszeit geschaffene Installation zu präsentieren. Nach den Beiträgen von Manfred Erjautz (2022), Tillman Kaiser (2023) und Maruša Sagadin (2024), sorgen 2025 Gelatin mit ihrer skulpturalen Arbeit Frohes Fest 2 für Aufsehen. Diese Tradition – lebende Künstler:innen mit der künstlerischen Interpretation des Weihnachtsbaums zu betrauen – ist im musealen Raum einzigartig.

Im Zentrum der Installation steht eine 3 Meter hohe, fleischfarbenfröhliche Figur, die humorvoll zwischen Balanceakt und Performance oszilliert. Auf einer der Besucher:innenbänke des Museums platziert, scheint die plüschige Gestalt in akrobatischer Pose gerade noch das Gleichgewicht zu halten. Der fragile Balanceakt – zusätzlich inszeniert durch geschickt platzierte Weihnachtskugeln an neuralgischen Punkten – erinnert an das vorweihnachtliche Gefühl zwischen Erwartung, Stress und Vorfreude. Ein Bild, das viele kennen: Noch ehe die Bescherung beginnt, gilt es, zahlreiche Bälle in der Luft zu halten und „eine gute Figur“ zu machen.

Gelatin beschreibt die Arbeit als „Balance zwischen Gestus und Gymnastik. Eine im romantischen Prekariat angesiedelte Selbstinszenierung von Risiko, Fest und Freude“. Diese humorvoll-subversive Reflexion auf das Fest trifft nicht nur einen gesellschaftlichen Nerv, sondern fügt sich nahtlos in die museale Reihe ein, die den Weihnachtsbaum alljährlich neu interpretiert – fernab von Konsum, Kitsch und Routine.

Einzigartige Museumstradition

Was die Tradition der Weihnachtsinstallationen der Heidi Horten Collection besonders macht: Als einziges Museum im deutschsprachigen Raum lädt sie jährlich zeitgenössische Künstler:innen ein, sich mit der kulturellen und sozialen Bedeutung des Weihnachtsbaums auseinanderzusetzen und diese in eine eigenständige künstlerische Sprache zu übersetzen. Der Weihnachtsbaum – ursprünglich ein Symbol des Lebens, der Hoffnung und des ewigen Kreislaufs – wird dabei zu einer Projektionsfläche moderner gesellschaftlicher Fragestellungen, ironischer Brechungen und kritischer Betrachtung.

Download Pressebilder (c) Simon Veres

© Gelatin, Frohes Fest 2, 2025

Textil, Glas, Holz, Metall, Galerie Meyer*Kainer, Wien

Foto: Simon Veres/Heidi Horten Collection

Die Ausstellung ist dem Werk von drei Künstlern – Balthasar Wigand, Rudolf von Alt und Stefan Oláh – gewidmet, genauer: deren Auseinandersetzung mit der Stadt Wien. Diese Auseinandersetzung umspannt zwei Jahrhunderte, von Wigand, dessen künstlerisch bedeutendsten Werke um 1820 entstehen, über Rudolf von Alt – „Stadtchronist“ des 19. Jahrhunderts par excellence – bis zu Stefan Oláh, der seit mehr als zwei Jahrzehnten immer wieder die Stadt aus unterschiedlichsten Blickwinkeln zu seinem Thema macht.

Für Wien, Wien nur du allein nimmt Oláh den Blick seiner Vorgänger an, sucht deren Standorte auf und zeigt in seinen Fotografien die Stadt und deren Umgebung wie sie sich heute darbietet. Die Auswahl der Motive ist nicht beliebig. Bestimmt wurde sie von Wigands, in prachtvolle Kassetten eingearbeitete Wien-Miniaturen, sowie den fünf herausragenden Aquarellen Rudolf von Alts in der Heidi Horten Collection. 

So gibt die Ausstellung die einmalige Möglichkeit das „Damals“ mit dem „Heute“ zu vergleichen und zugleich das Werk der drei Künstler unter einem ganz spezifischen Gesichtspunkt kennenzulernen. Dabei führt diese Reise von der Spinnerin am Kreuz über das Zentrum von Wien mit dem Stephansdom und der Karlskirche bis Schloss Schönbrunn und abschließend in das Gasteiner Tal: Stefan Oláhs Blick entgeht nichts. Er ist ist nicht wertend, vielmehr analytisch. Oláh zeigt Orte, die über 200 Jahre kaum Veränderungen erfahren haben, andere hingegen, die heute buchstäblich „verbaut“ sind.

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Experiment Expressionismus - Schiele meets Nosferatu ist eine umfassende, genreübergreifende Ausstellung zum Expressionismus. Ausgangspunkt der von Roland Fischer-Briand und Rolf H. Johannsen kuratierten Schau bilden Gemälde aus dem Bestand der Heidi Horten Collection, insbesondere des deutschen Expressionismus, unter anderem von Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde und Max Pechstein. Diese Positionen werden in Kontext mit Werken des österreichischen Expressionismus von Herbert Boeckl, Helene Funke, Oskar Kokoschka, Max Oppenheimer, Egon Schiele, Helene von Taussig und anderen gesetzt.

Neben den klassischen Bildkünsten, Malerei und Skulptur, bildet der Stummfilm – das neue, wenn nicht Leitmedium der Zeit einen weiteren Ausstellungsschwerpunkt, der anhand von Plakaten, Filmstills und Ausschnitten aus Klassikern wie Das Cabinet des Dr. Caligari oder Nosferatu – eine Symphonie des Grauens aber auch dem breiten Publikum weniger bekannten Filmen wie Genuine oder Der müde Tod in der Ausstellung veranschaulicht wird.

An ausgewählten Abenden sollen im Atrium der Heidi Horten Collection erstmals Stummfilme in Langfassung mit Musikbegleitung gezeigt werden.

The exhibition Light Sound Senses explores light as a physical and natural and aesthetically usable phenomenon and aims to stimulate our diverse sensory perceptions. Visitors are invited to engage with multi-sensory works of art to heighten their own awareness of space, time, light and sound. Light is explored as an indicator of technological development and as a cultural construct with symbolic meaning. Through works from the Heidi Horten Collection as well as loans from TBA21 and site-specific and immersive installations - realized exclusively for the exhibition by invited artists - Light Sound Senses conveys a deeper understanding of the nature of light, sound and our five senses.

In the exhibition, which extends over two floors of the museum, visitors will get to know a pioneer of light art, László Moholy-Nagy, or encounter immersive light installations by Olafur Eliasson, Brigitte Kowanz and Siegrun Appelt. Appelt deals with the topic of light pollution and the scientific background of daylight research.

Tracey Emin and Joseph Kosuth use neon as an artistic and conceptual material. A room-filling sound installation by Austrian artist Bernhard Leitner encourages visitors to “see” sound; other artists use sound to achieve a stronger perception of their own bodies. Finally, works by Lena Henke and Ernesto Neto will stimulate the sense of smell and taste.

As a special feature of the exhibition, visitors are encouraged to interact with the works in a participatory way. One example of this is Carsten Nicolai's work Bausatz noto, in which the visitors themselves act as sound artists: At a table with four record players, different colored vinyls with different timbres can be combined. Carsten Nicolai will create a light and sound installation exclusively for the exhibition.

The exhibition Light Sound Senses is to take a scientific-critical, humorous and artistic-aesthetic look at our sensory perceptions, to challenge them and play with them.

With works by:

Siegrun Appelt, John M Armleder, Cibelle Cavalli Bastos, Olafur Eliasson, Tracey Emin, Cerith Wyn Evans, Dan Flavin, Ceal Floyer, Peter Friedl, Gelatin, Helga Giffiths, Lena Henke, Carsten Höller, Krištof Kintera, Brigitte Kowanz, Joseph Kosuth,  Bernhard Leitner, Paul McCarthy, László Moholy-Nagy, Iván Navarro, Ernesto Neto, Carsten Nicolai, Tim Noble & Sue Webster, Tony Oursler, Finnbogi Petursson, Ugo Rondinone, Christine Schörkhuber, SUPERFLEX, Iv Toshain and Martin Walde.

Die Ausstellung Light Sound Senses erforscht Licht als physikalisch-natürliches und als ästhetisch nutzbares Phänomen und will unsere vielfältigen Sinneswahrnehmungen anregen. Die Besucher*innen sind eingeladen, sich mit multisensorischen Kunstwerken auseinanderzusetzen, um das eigene Bewusstsein für Raum, Zeit, Licht und Klang zu schärfen. Vor allem Licht wird als Indikator für die technologische Entwicklung und als kulturelles Konstrukt mit symbolischer Bedeutung erkundet. Durch Werke aus dem Sammlungsbestand der Heidi Horten Collection sowie durch Leihgaben der TBA21 und ortsspezifische und immersive Installationen – die von eingeladenen Künstler*innen exklusiv für die Ausstellung realisiert werden – vermittelt Light Sound Senses ein tieferes Verständnis für das Wesen von Licht, Klang und unseren fünf Sinnen. 

In der Ausstellung, die sich über zwei Stockwerke erstreckt, werden Besucher*innen einen Pionier der Lichtkunst, László Moholy-Nagy, kennenlernen oder immersiven Lichtinstallationen von Olafur Eliasson, Brigitte Kowanz und Siegrun Appelt begegnen. Letztere setzt sich unter anderem mit Lichtverschmutzung und den wissenschaftlichen Hintergründen der Tageslichtforschung auseinander.

Neon als künstlerisch-konzeptuelles Material wird von Tracey Emin und Joseph Kosuth zum Einsatz gebracht. Eine raumfüllende Sound-Installation des österreichischen Künstlers Bernhard Leitner wird die Besucher*innen dazu anregen, Klang zu sehen; wieder andere Künstler*innen setzen Sound dazu ein, um eine stärkere Wahrnehmung des eigenen Körpers zu erreichen. Mit Arbeiten von Lena Henke und Ernesto Neto wird schließlich der Geruchs- bzw. Geschmackssinn angeregt.

Eine Besonderheit der Ausstellung besteht darin, dass die Besucher*innen gefordert sind, partizipativ mit den Werken in Kontakt zu treten. Beispielhaft dafür steht Carsten Nicolais Arbeit Bausatz noto, bei der sich die Besucher*innen selbst als Tonkünstler*innen betätigen: An einem Tisch mit vier Plattenspielern lassen sich verschiedenfarbige Vinyls mit unterschiedlichen Klangfarben kombinieren. Carsten Nicolai wird exklusiv für die Ausstellung eine Licht-Sound-Installation kreieren.

Ziel der Ausstellung Light Sound Senses ist es, einen ebenso wissenschaftlich-kritischen wie humorvollen und künstlerisch-ästhetischen Blick auf unsere Sinneswahrnehmungen zu werfen, sie herauszufordern und mit ihnen zu spielen.

Mit Arbeiten von: 

Siegrun Appelt, John M Armleder, Cibelle Cavalli Bastos, Olafur Eliasson, Tracey Emin, Cerith Wyn Evans, Dan Flavin, Ceal Floyer, Peter Friedl, Gelatin, Helga Giffiths, Lena Henke, Carsten Höller, Krištof Kintera, Brigitte Kowanz, Joseph Kosuth,  Bernhard Leitner, Paul McCarthy, László Moholy-Nagy, Iván Navarro, Ernesto Neto, Carsten Nicolai, Tim Noble & Sue Webster, Tony Oursler, Finnbogi Petursson, Christine Schörkhuber, SUPERFLEX, Iv Toshain und Martin Walde.

Die Heidi Horten Collection lädt mit ihrer alljährlichen X-mas Series zeitgenössische Künstler:innen ein, eine weihnachtliche Installation zu gestalten. Nach Manfred Erjautz (2022) und Tillman Kaiser (2023) präsentiert Maruša Sagadin heuer Blaue Lippen (Kiss-mas). Die überdimensionale Skulptur, die an einen zwetschkenförmigen Christbaumschmuck erinnert, kombiniert festliche Symbolik mit ihrer charakteristischen Formsprache. Gleichzeitig erscheinen die blauen Lippen als subversives Make-up-Statement, das normative Schönheitsideale hinterfragt. Der Titel Kiss-mas spielt mit der Sprache und verwandelt das weihnachtliche „X-mas“ in eine Hommage an das Küssen – ein Symbol für zwischenmenschliche Nähe und Verbundenheit.

Über Maruša Sagadin

Maruša Sagadin (*1978 in Ljubljana, Slowenien) studierte zunächst Architektur an der TU Graz, bevor sie ihr Studium der Bildhauerei an der Akademie der bildenden Künste in Wien abschloss. Ihre künstlerische Praxis stellt ein Gegenmodell zur traditionellen Bildhauerei dar, indem sie Skulptur als Medium für Identität und soziale Interaktion einsetzt. Mit Werken wie B-Girls, Go! (2018) schafft sie Treffpunkte für marginalisierte Gruppen im öffentlichen Raum, in diesem Fall eine lila Plattform mit rosa Dach, die seit 2021 Teil des Skupturengartens des Belvedere21 ist und speziell weibliche und genderqueere Jugendliche anspricht. 

Durch das Spiel mit Material, Farbe und Form sowie Anleihen aus Pop- und Subkultur thematisieren Sagadins Werke Gender, Identität und soziale Strukturen, immer begleitet von Humor und Mehrdeutigkeit.

Für die Weihnachtsintervention der Heidi Horten Collection transformierte Sagadin ein Obstmotiv in das Werk Blaue Lippen (Kiss-mas): ein überdimensionierter Christbaumschmuck, der durch seine plakative Farbgebung und Form gängige Schönheitsnormen infrage stellt. Die blauen Lippen, ergänzt durch einen grünen Sockel, verweisen zugleich auf feministische Empowerment-Themen und die Popkultur, wie etwa Charli XCX’ Brat Girl Summer.

Sagadins Arbeiten, wie die Sitzskulptur DORIS (2016), verbinden ästhetische Übertreibung mit Kontextverschiebungen. Sie brechen tradierte Vorstellungen von Weiblichkeit auf, etwa durch die Transformation alltäglicher Objekte wie Lippenstiften oder Schmuck. Dabei ist auch die Sprache ein zentrales Mittel: In Kiss-mas wird das „X“ von „X-mas“ zu „Kiss“, ein Verweis auf Nähe und zwischenmenschliche Verbundenheit, die zentral in ihrer Kunst ist.